Weil er in einem Interview für den Standard bestätigt hat, dass er, der Starfotograf der internationalen Modewelt, auch nur ein Mensch ist. Und damit bei mir einiges an Sympathie gewonnen hat. Heh.

Schon sein Name: Peter Lindbergh. Klingt für mich Unwissenden nach großer weiter Welt – nach Abenteurer, nach Kosmopolit. Dabei ist er als Peter Brodbeck geboren worden. Und  in der sprichwörtlichen Pampa, einem Kaff nahe bei Duisburg am Rhein, aufgewachsen. Und jetzt, heute? Nur noch in den großen Metropolen unterwegs, in Paris zuhause.

Und er hat auch seine Widersprüche: Ändert seinen Namen, aber spricht davon, dass das Wichtigste überhaupt die eigene Identität ist. Sympathisch eben.

Außerdem gehört er zu jenen Profis, die nicht auf Hardcore-Analogfotografie machen: „Durch die digitale Fotografie hat sich auch bei mir ein bisschen was geändert. Ich schieße jedes Foto zuerst in Schwarzweiß, dann schau ich’s mir in Farbe an und erkenne plötzlich, dass das manchmal viel besser passt.“ Was diese Aussage außerdem bemerkenswert macht: Er behauptet auch nicht, das Resultat immer schon im voraus zu kennen! Diese Offenherzigkeit kenne ich so nicht von vielen Fotografen.

Und schließlich: Peter Lindbergh hat gezeigt, dass man auch mit tollen Kopien weiterkommen kann. Ich hab ja keinen Schimmer, ob sein Bild von Kate Moss ein bewusste Referenz auf „Young Boy“ von Paul Strand ist, die Ähnlichkeit ist jedenfalls frappierend.

„Kate Moss in overall dress“ von Peter Lindbergh

„Young Boy, Gondeville, Charente, France“ von Paul Strand

Peter Lindbergh – ein Guter.

;)

Update: Besim hat natürlich vollkommen recht. Die Ausstellung „On Street“, die noch bis zum 09.01.2011 im Berliner C/O Museum gezeigt wird, sollte man sich auf keinen Fall entgehen lassen. Zumal Peter Lindbergh Motive zeigt, die nicht unbedingt in sein angestammtes Metier fallen.

(Wenn ich das richtig sehe, werden auf der Website von Peter Lindbergh sämtliche Bilder der Ausstellung gezeigt.)

Kürzlich wurde auf Spiegel Online die Entstehung des Bildes in Form einer (etwas oberflächlichen) Schritt für Schritt-Anleitung gezeigt. Dies hat im dazugehörigen Forum eine – nun ja: etwas emotionale Diskussion ausgelöst.

Bezeichnend an dieser Diskussion ist, dass nicht die Vision und der Einfallsreichtum der Künstlerin, nicht die Ästhetik und auch nicht die beabsichtigte Wirkung des Bildes verhandelt wird, sondern vielmehr die Wahl der eingesetzten Mittel, die Technik und das Handwerk…

Um einen Diskussionsteilnehmer zu zitieren:

„Junge, Junge, Junge, ich klinke mich hier aus, bekomme Kopfschmerzen von solchen verworrenen Argumentationsketten.“

Die Aufnahmen, die Murray Fredericks vom Lake Eyre in Südaustralien gemacht hat, gehören nicht dazu. Diese Bilder faszinieren und begeistern mich. Diese Bilder sind so, wie ich mir ideale Landschaftsaufnahmen vorstelle – eben auch weil sie Raum und Leere zum Inhalt haben, gewissermaßen die Abwesenheit von Landschaft.

Wie ein Kritiker gemeint hat:

„They are literally pictures of nothing, but nothing has never looked so good.“

Mittlerweile ist ein Dokumentarfilm erschienen, der den kreativen Prozess von Murray Fredericks bei der Erstellung dieser Bilder zeigt. Der Trailer lässt nur einen Schluss zu: Unbedingt ansehen!

PS. Jungs, vergesst die photokina! Packt lieber euer Equipment auf ein Rad und zieht euch in die Einsamkeit zurück. Weniger ist mehr! Heh. ;)

Copyright (alle Bilder) bei Murray Fredericks

„Sünden und böse Geister scheuen das Licht“, wenn man Friedrich Schiller Glauben schenken darf. Demnach müssen wir, die wir mit unserer Kamera jedem noch so bescheidenen Lichtstrahl hinterherjagen, wohl fraglos die Guten sein. ;)

Einer, der dem Licht nicht nur in der Realität, sondern auch noch in den Fotografien anderer nachspürt, ist Ted Sabarese. Auf seinem Tumblr Blog Guess The Lighting präsentiert er einzelne Aufnahmen von Fotografen-Kollegen, und für jede Aufnahme wagt er eine Einschätzung, unter welchen beleuchtungstechnischen Bedingungen sie seiner Meinung nach entstanden ist – sprich welche (künstlichen) Lichter mit welchen Einstellungen wie auf das Motiv gerichtet waren, als der Fotograf den Auslöser gedrückt hat. Dass er seine Einschätzungen mittels einfacher grafischer Skizzen illustriert, ist der Verständlichkeit natürlich nur dienlich.

Ungeachtet der Tatsache, dass die Einschätzungen von Ted Sabrese auf reinen Vermutungen basieren und (bislang) nicht von den betroffenen Fotografen bestätigt worden sind, finde ich die Idee großartig. Weil sie zum Nachdenken anregt – zum Nachdenken darüber, wie mit Licht komponiert werden kann, wie sich mit Licht Schwerpunkte setzen und Stimmungen erzeugen lassen. Und weil sie vielleicht auch noch mich dazu bringt, beim Fotografieren künstliches Licht einzusetzen. ;))

PS. Wie’s der Zufall will, gibt’s auf Guess The Lighting auch das Licht-Setup für jenes Bild von Clint Eastwood, das ich vor geraumer Zeit mal hier vorgestellt hatte…

Copyright Achim Lippoth

Copyright Ted Sabarese

Beim folgenden Bild von Sandro ist das anders. Ich kann mir die dargestellte Person gar nicht anders als mit einem Lächeln im Gesicht vorstellen; sie kann beim besten Willen nichts anderes als eine nette Person sein. Ich weiß also nicht, wie eine ernste Miene die Wirkung dieses Porträts steigern sollte.

Vielleicht ist es aber auch nur der Meisterschaft von Sandro zuzuschreiben, dass die Fröhlichkeit absolut ansteckend wirkt. Denn unabhängig davon, welche Gefühle und Emotionen durch seine Bilder vermittelt werden – sie scheinen immer untrennbar mit den dargestellten Charakteren verbunden.

Ach ja: Ich hoffe, die Sache hier wird keinem zu porträtlastig. Falls doch – bitte melden! :)

Das ist bestimmt richtig, das möchte ich auch überhaupt nicht anzweifeln; natürlich verschiebt sich der Schwerpunkt seit dem Aufkommen von Digitalkameras zusehends in Richtung Nachbearbeitung. Ich sehe allerdings nicht, warum es mit einer analogen Kamera eher möglich sein soll, „wahrheitsgetreue“ Eindrücke zu sammeln…

Mit der Digitaltechnik werden dem Fotografen wesentlich mehr Möglichkeiten für die Bearbeitung von Bilder an die Hand gegeben. Es handelt sich aber definitiv um Möglichkeiten – er kann, muss sie aber nicht nutzen. (Genauso wie er sich vor dem Drücken des Auslösers keine oder aber auch sehr viele Gedanken über das angestrebte Resultat machen kann.)

Warum man also nur deshalb nicht auf digitale Technik umsteigt, weil man dadurch seinen Wahrheitsanspruch gefährdet sieht, erschließt sich mir nicht ganz.

Dass das Manipulieren von Fotografien aber schon seit jeher, also lange vor der Etablierung von Digitalkameras, sehr skeptisch betrachtet worden ist, lässt sich gut am Beispiel von Heinrich Kühn erkennen. Kühn hat durch den Einsatz von speziellen Techniken, wie den von ihm perfektionierten Gummidruck, die fotografische Oberfläche so lange verfremdet, bis das Ergebnis einer Malerei ähnlich gesehen hat. Dass dadurch alle Konturen und Details im technisch hergestellten Bild verschwanden, wurde von der Medientheorie lange als Defizit gesehen.

Dass die Wiener Albertina eine aktuelle Ausstellung mit Bildern Kühns mit „Die vollkommene Fotografie“ betitelt, ist vielleicht schon wieder bezeichnend.

„Die Dinge verändern sich radikal. Die klassische Fotografie kommt an ihr Ende. Früher musste von Anfang an alles im Bild enthalten sein. Heute machen das die jungen Kollegen genau umgekehrt. Die knipsen irgendwas und überlegen sich hinterher am Computer, wie sie aus dem ganzen Pixelzeug das eigentliche Bild entstehen lassen.“ [Quelle: Spiegel Online]

Nicht dass ich mich zu den radikalen Fortschrittsfanatikern zählen würde, aber dieses Statement von Jim Rakete ist schon ein wenig dick aufgetragen. Ein wenig herablassend auch. Ein wenig pauschalierend.

Natürlich will eine analoge Aufnahme mit Bedacht gemacht sein – weil die Kosten für das Medium und dessen Ausarbeitung ungleich höher sind als bei einem digitalen Bild. (Hab ich mir sagen lassen. J) Und natürlich ist unter hundert Bildern eher ein gutes dabei als unter deren fünfen.

Aber geht der Denkapparat automatisch auf Tauchstation, nur weil man eine digitale Knipse in der Hand hat? Macht man sich automatisch weniger Gedanken über das abzubildende Motiv? Muss man sich weniger Gedanken machen? Über die Komposition? Über die Lichtverhältnisse? Über alles, was eine gute Fotografie ausmacht? Weil sich ohnehin alles im nachhinein digital korrigieren lässt? Oder mehr noch, weil das „eigentliche Bild“ überhaupt erst auf dem Rechner „entsteht“?

Ich hege ja den Verdacht, dass sich der gute Hr. Rakete weniger an der digitalen Technik stößt als vielmehr an dem, was heute gemeinhin unter dem Begriff „Fotografie“ firmiert. Denn natürlich hat vieles von dem, was man etwa auf Flickr zu sehen bekommt, nicht mehr viel mit „einer bildgebenden Methode, bei der mit Hilfe von optischen Verfahren ein Lichtbild auf ein lichtempfindliches Medium projiziert und dort direkt und dauerhaft gespeichert wird“ (Quelle: Wikipedia), zu tun.

Aber genau so, wie ein gemaltes Bild immer schon auf einer Interpretation des Künstlers gefußt hat, war eine Fotografie auch schon immer mehr als das nüchterne Abbild der Realität. Und der eine hilft seiner Interpretation eben etwas mehr mit künstlichen Hilfsmitteln nach als der andere. Ausgangspunkt ist aber immer noch die Fotografie.

(Nebenbei: Für mich persönlich wäre Fotografie ohne Nachbearbeitung weniger als der halbe Spaß. )

Aber genug von dieser Diskussion, die ohnehin viel zu oft geführt wird. Eigentlich wollte ich ja nur auf die Fotografien (!) von Jim Rakete hinweisen, die absolut für sich selbst sprechen, auch ohne Verweis auf die verwendeten (und nicht verwendeten) Technologien.

Alle Bilder © Jim Rakete

Wirklich jeder? Google scheint da eine andere Sprache zu sprechen: Über 20.000 Treffer liefert die Suchmaschine bei einer exakten Suche nach „flickr sucks“. Und selbst die Suche auf der Site von Yahoo, dem Eigentümer von Flickr, liefert mehr als 8.000 Treffer. (Was nun wirklich  nicht so wenig ist, wenn man bedenkt, dass die Yahoo-Suche auf Bing, der Search Engine von Microsoft, fußt.)

Offensichtlich ist doch nicht alles Gold, was flickert?

Zugegeben: Ich selbst betrachte die Sache auch durchaus kritisch. Aber ich stoße mich weniger an der Art und Weise, wie Fotografien auf Flickr präsentiert werden. Auch mit der Tatsache, dass man kaum Möglickeiten zur Anpassung des eigenen Streams hat, kann ich leben. Mich stört mehr, dass Flickr als soziales Netzwerk der Realität in einer Hinsicht sehr nahe kommt: Wer oft und laut schreit, wird am ehesten gehört.

Wie viele Bilder gibt es auf Flickr, die, ganz egal wie Qualität oder Schönheit definiert wird, einfach grottenschlecht sind und die dennoch Zuspruch in Form von hunderten von Kommentaren erhalten? Die dann auch noch durch einen fragwürdigen Algorithmus zusätzlich ins Rampenlicht (aka Flickr Explore) gestellt werden? Umgekehrt: Wie viele Perlen birgt Flickr, die nicht annähernd die Aufmerksamkeit bekommen, die sie verdient hätten?

Es ist wohl einfach so, wie es der jüngste Bachmann-Preisträger Peter Wawerzinek in seinem Roman Mein Babylon beschreibt:

„Die Wahren waren nicht auf Erfolg aus. Sie feierten das Geringste, was sie am Leben hielt. [...] Es gab ihrer nur wenige. Sie versanken im Meer der Angeber, bildeten darin kleine weiße Schaumkuppen.“

Ist es so?

Schlicht aber nicht im Sinne von simpel oder gar trivial, sondern als Qualität optisch-visueller Ordnung: klar, strukturiert, übersichtlich. Auf das Wesentliche reduziert.

An Fotografien, die diesem Typus entsprechen, kann ich mich nicht satt sehen. Wie beispielsweise an Beauty’s Nothing (Angie) von Nadav Kander.

Faszinierend. Schön.

„Fotografie ist eine Technik, die man besser oder schlechter beherrschen kann, aber sie ist keine museale Kunst.“

Nach dieser Aussage bin ich fast verleitet, den gestrigen Vergleich zwischen Fotografie und Malerei weiterzuführen: Ist nicht auch alle Malerei eine Frage der Technik? Freu mich über jegliches Feedback… ;-)

Wie auch immer: Bei Marianne Breslauer besteht kein Zweifel daran, dass sie diese Technik perfekt beherrscht hat. Ihre Fotografien sprechen diesbezüglich eine deutliche Sprache.